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Même enfant, vous sentiez probablement quelque chose de différent dans les animés comme Robotech et Voltron. Par rapport à d'autres séries, ils semblent sérieux, dramatiques et élégants. Chaque épisode contribue à un récit plus long et lorsque quelque chose change, cela reste ainsi pour le reste de la série. L'art des lignes droites touche le spectateur d'une manière que les styles plus doux et arrondis des autres dessins animés n'ont jamais eue. Quelque chose est différent, même si on n’arrive pas facilement à mettre le doigt dessus.
Informons-nous sur le sujet : quelle est la différence entre les animés et les cartoons ?
À l'époque, tout le monde ne savait pas que les animés venaient du Japon, où ils avaient des titres différents, et parfois des récits différents. L'animé nippon diffère des dessins animés occidentaux standard. À l'époque, les fans de dessins animés vous disaient que les dessins animés japonais sont meilleurs. Les dessins animés sont des "trucs d'enfants". Avec des histoires compliquées, un développement profond des personnages et des thèmes adaptés aux adultes, les animés japonais évitent l'étiquette du dessin animé et prétendent être une forme d'art supérieure (que l’on retrouve d’ailleurs de nos jours sur des accessoires tels que cet éventail nippon à l'effigie de Totoro).
Bien sûr, les visuels des dessins animés alimentent leur prétendu pedigree. Les fans louent l'anime pour son art détaillé, son style et son animation, qui étrangement n’a rien de fluide (contrairement aux cartoons). En réalité, ce qui différencie les animés des autres styles (dessins animés occidentaux ou cartoons) est le manque délibéré de fluidité et l'utilisation d'une animation limitée. En ignorant les normes d'animation de l'époque, le studio d'animation Mushi Pro a révolutionné le milieu.
Et en tirant parti de deux facteurs - l'accès à télévision des foyers japonais et la populaire série de manga Astro Boy - Mushi Pro a créé le premier animé du Japon ainsi que son premier boom de l'animé. L'ingéniosité de Mushi Pro a créé un style d'animation controversé qui manquait d'animation et ce style trompeur et cette tradition marketing se poursuivent encore aujourd'hui. On retrouve des éléments incontournables comme de célèbres dessins, des personnages de dessins animés tels que des princesses, un style fantastique et des aventures variées, que ce soit dans des films d’animation (comme dans une série animée) ou dans un cartoon (jusque dans les comics).
La généralisation de la télévision dans les foyers japonais a permis à l'animé d’avoir la visibilité nécessaire pour atteindre son public. L'après-guerre au Japon a été marquée par une reconstruction matérielle et une croissance économique effrénée. Les transports collectifs et personnels ont rendu possible les trajets quotidiens et ont contribué à la croissance des villes. Grâce à la reconstruction des infrastructures, l'essor économique du Japon bat son plein. Après que les prix se soient stabilisés et que les produits de première nécessité soient devenus plus facilement accessibles, les ménages ont eu plus d'argent de poche que jamais auparavant.
Des produits abordables comme les réfrigérateurs, les cuiseurs à riz et les machines à laver ont rendu la vie plus confortable (en particulier les cuiseurs à riz, qui ont une histoire impressionnante). La croissance économique s'est poursuivie. Pour la première fois, les gens ordinaires pouvaient se permettre l'extravagance. La propriété des téléviseurs a connu un boom. "En 1960, 55 % des ménages possédaient un téléviseur, en 1964, le taux de propriété de la télévision était passé à 95%, grâce au mariage télévisé du prince héritier en 1959 et aux Jeux olympiques de 1964" (Steinberg). La généralisation du téléviseur a permis aux diffuseurs d'avoir accès à presque tous les foyers et a permis à la première série d'animés du pays de prendre d'assaut le Japon.
Comme nous l'avons appris, l'animation japonaise remonte au début des années 1900. Mais les productions d'avant-guerre sont plutôt décrites comme des dessins animés, pas comme des animés au sens où on les connaît aujourd’hui. Richey explique : "L’animé, comme nous le connaissons tous maintenant, a commencé avec le style et les méthodes de production d'Osamu Tezuka et tout le monde au Japon a suivi son exemple". Avant l'Astro Boy d'Osamu, le dessin animé occupait une place marginale dans la conscience culturelle du Japon.
Les studios japonais étaient confrontés à des limites qui rendaient impossible la concurrence avec les studios étrangers. En raison de leurs maigres budgets, les studios japonais ont dû mener une lutte acharnée contre le financement, ainsi que le son et la couleur des longs métrages étrangers. Bien que le besoin de propagande en temps de guerre ait alimenté la production de dessins animés pro-guerre comme les Divine Sea Warriors de Momotaro (1945), l'effort de guerre, la censure gouvernementale et la destruction généralisée ont étouffé les industries japonaises du manga et de l'animation.
Après la guerre, les studios de cinéma japonais se sont tournés vers les belles animations de l'étranger pour trouver l'inspiration. Des longs métrages d'animation de Chine et des États-Unis ont fourni le modèle. Au lieu de se forger leur propre voie, Toei, Toho et d'autres studios japonais ont cherché à imiter leurs rivaux étrangers. En conséquence, les studios japonais ont produit des longs métrages pour le cinéma.
Malgré l'intense redressement du Japon après la guerre, l'animation est restée trop longue et trop coûteuse pour la télévision. Mais les débuts d'Astro Boy en 1963 ont tout changé. Le "dieu du manga" - Tezuka Osamu - avait pour objectif de réaliser l'impossible et de conquérir le marché de la télévision. Sa société d'animation Mushi Pro ignorait les philosophies, les objectifs et les influences de l'époque en matière d'animation. En fin de compte, l'animé Astro Boy de Mushi Pro est devenu très populaire et a déclenché un changement de paradigme dans l'industrie de l'animation au Japon.
En Occident, "anime" signifie "animation du Japon". Myanimelist, un site occidental de bases de données d'anime et de manga, refuse de lister une série si elle n'est pas japonaise (au grand dam des fans d'Avatar : the Last Airbender). Cependant, le japonais moyen considère que toutes les formes d'animation sont des "anime", quel que soit leur style ou leur pays d'origine. Il arrive même que des séries d'action en direct comme Kamen Rider, Metal Heroes et Super Sentai soient qualifiées “d'anime” dans une conversation.
Mais les initiés et les puristes de l'industrie (Hayao Miyazaki par exemple) définissent les "anime" comme un style “d'animation limitée” popularisé par les studios japonais. Envisagées par Tezuka Osamu, les techniques d'animation limitée ont permis de réduire les coûts de production tout en accélérant le processus de production, rendant l'animation possible pour la diffusion télévisuelle. L'animation complète rendue célèbre par Disney et adoptée par les studios japonais utilisait trop de calques (les artistes des feuilles transparentes dessinaient et peignaient des images, puis les superposaient et les photographiaient pour en faire un cadre d'animation), nécessitait un personnel trop nombreux et prenait trop de temps pour que sa production soit adaptée, voire possible, pour la télévision.
Cependant, Osamu a réalisé que l'animation n'avait pas besoin d'être fluide ou entièrement animée pour être appréciée par le public. Après tout, en faisant clignoter des images fixes en succession rapide, même les films d'action en direct créent une illusion de mouvement. Mushi Pro, le studio d'Osamu, a développé un style de "manga en mouvement" réputé pour son animation "limitée". Nobuyuki Tsugata, professeur associé d'animation à l'université Seika de Kyoto, écrit : "Dès le début, Tezuka a créé intentionnellement des anime, pas des animations."
En tant que premier animé télévisé, Astro Boy a réutilisé des calques, s'est appuyé sur des astuces visuelles et sonores et a utilisé moins d'images d'animation pour créer une illusion de plein mouvement. Yamamoto Eiichi, de Mushi Pro, explique : "Au final, nous avons complètement abandonné les techniques d'animation intégrale. Nous avons ensuite adopté la technique totalement nouvelle qui consiste à faire du cadre du manga la base du plan, en ne déplaçant qu'une partie de ce cadre". Le public a adoré le résultat aux airs de manga. Tant et si bien qu’aujourd’hui beaucoup de produits dérivés sont disponibles, tels que ce sweat japonais.
Astro Boy est devenu le premier "anime" officiel et a donné naissance à un style populaire et commercialisable qui s'est poursuivi avec Tetsujin-28, Neon Genesis Evangelion, et bien d'autres. Les dessins animés occidentaux regorgent de titres connus, surtout des studios Disney de Walt Disney, mais pas que (Robin des Bois, Aladdin, Alice au Pays des Merveilles, Blanche Neige et les Sept Nains, Les 101 Dalmatiens, Batman, Astérix, Cendrillon, Mickey Mouse, Le Livre de la Jungle, les Simpsons, Tintin, Le Roi Lion, La Reine des Neiges, et bien d’autres…). Cependant, le dessin animé manga (shonen) a su rivaliser (séries manga Naruto, Dragon Ball et même plus récemment Code Lyoko).
Avec Astro Boy, Mushi Pro a créé un style d'animation qui repose sur l'immobilité, donnant à son animé un style spécifique et une définition nuancée. Nobuyuki Tsugata explique le résultat, l'anime est une forme d'animation qui :
Marc Steinberg ajoute trois principes à la liste
Le Studio Ghlibli de Miyazaki Hayao, rejette le style et les techniques de l'animé. Dans The Anime Machine, Thomas LaMarre rappelle comment les documentaires et les expositions du Studio Ghibli excluent presque complètement les formes d'animation japonaise qui relèvent communément de la rubrique “anime”. Il est clair que l'objectif est de consolider une lignée d'animation japonaise (appelée film manga) qui contraste avec l'animé à proprement parler. En refusant d'appeler ses films "anime", Miyazaki trace une ligne définitive entre l'animé et les autres formes d'animation, que l’on appelle en Occident des dessins animés, ou dans le monde anglo-saxon, des cartoons.
Quelles techniques ont rendu possible Astro Boy, le premier animé télévisé, et pourquoi ? Certaines ont accéléré la production. D'autres ont réduit les coûts. Bien que chaque technique ait servi un objectif pratique, les techniques suivantes ont créé le style attrayant et frappant de l'animé :
Mushi Pro n'a pas inventé ces techniques. Les influences du studio comprennent les publicités télévisées animées, les dessins animés de Hanna Barbera et le théâtre traditionnel japonais. Mais Mushi Pro a mélangé les anciennes techniques avec les nouvelles et a créé une forme stylisée d'animation adaptée à la production télévisuelle. Grâce à cela, les animés se sont aussi démarqués du style cartoon grâce à leur avantages qui sont les suivants :
L'animation limitée se prête à une "synergie" ou à un "mélange de produits" entre les médias et le consumérisme. Les images fixes d'es animés offrent une puissante synergie marketing. Les silhouettes des personnages garantissent une reconnaissance instantanée et une reproduction bon marché. Les poses des personnages, les logos (comme ceux de One Piece, que l’on retrouve par exemple sur ce masque anti-pollution) et d'autres caractéristiques se prêtent à la reconnaissance de la marque.
En achetant des marchandises, les fans se sont appropriés l'image et se sont rapprochés d'une série. Les marchandises de personnages donnaient une valeur ajoutée aux objets du quotidien. Avec l'ajout d'une image ou d'un logo de personnage, les marchandises ennuyeuses comme les carnets, les crayons et les brosses à dents deviennent spéciales. Les articles applicables comme les autocollants et les patchs permettent aux fans de personnaliser et de mettre en synergie n'importe quoi. Depuis le boom des Astro Boy, les personnages d'anime populaires en sont venus à saturer le Japon, inondant toutes les facettes de la vie.
On retrouve cette influence particulièrement dans la mode, comme en témoigne ce tee-shirt nippon. Qui a dit que l'animation devait être fluide ? Ou réaliste ? La plus grande force de l'animation réside dans son absence de règles, sa polyvalence et dans sa capacité à aborder une variété infinie de sujets. Lorsque le direct s'est trouvé confronté à des limites technologiques, l'animation a brisé les chaînes du tournage de la réalité. Contrairement à ces films, l'animation a rendu possible tout ce qui était imaginable.
Et lorsque les limites de l'animation intégrale ont entravé la production télévisuelle, Tezuka Osamu et Mushi Pro ont eu la perspicacité de créer de l'animation en éliminant l'animation. Leurs méthodes pour produire des animés moins chers à un rythme rapide sont devenues la norme de l'industrie et ce style saisissant a gagné un public dans le monde entier. Cela fonctionne aussi bien en série d’animation, en courts métrages mais aussi en film d’animation.
Les recherches effectuées pour cet article ont prouvé qu'il s'agissait d'une arme à double tranchant. Bien qu’apprendre le processus d'animation est plaisant, nous ne voyons plus les animés de la même façon. Au lieu de profiter de l'illusion, nous remarquons maintenant les techniques employées. Cette nouvelle sensibilité ne fera sans doute que peu de différence lors de vos prochains visionnages : le style frappant de “l'anime”, les superbes personnages et les récits géniaux surmontent tout. On ne compte plus aujourd’hui les figurines, costumes, DVD pour enfants et autres produits dérivés des dessins animés pour enfants, et pour adultes !